TRAZAR CRUCES: Entrevista a Daniela Serna

Tracing crossroads between literature and the visual arts: An interview with Daniela Serna

Duván Andrés Sánchez García

Estudiante Artes Plásticas | Universidad de Caldas | duvan.11911294@ucaldas.edu.co

Figura 1. (2012). Serna D. Entre líneas. [Instalación: objetos, motores, papel. Dimensiones variables. Textos de Jorge Luis Borges]. Medellín: Nodos y derivas. Museo Universitario Universidad de Antioquia (MUUA).

Daniela Serna Gallego es artista plástica, egresada de la Universidad de Antioquia, en donde actualmente es profesora. Realizó una maestría en Literatura comparada en la Universidad Federal de la Integración Latinoamericana (Brasil) y ha expuesto en espacios como el Museo de Arte Miguel Urrutia de Bogotá, durante la novena versión de Imagen regional, el Festival de Arte Contemporáneo SACO en Antofagasta, Chile, y la Galería Lokkus, en Medellín. El propósito de esta entrevista es conocer el trabajo de la artista y sus consideraciones acerca de las relaciones entre la literatura y las artes plásticas.

Duván: En tu obra te centras en abordar el texto escrito, para transformarlo, desplazarlo y ubicarlo en nuevos contextos que enriquezcan las lecturas y perspectivas sobre el sentido de las palabras. Hay una obra muy interesante de la que quisiera hablar: la serie Entre Líneas. Consiste en un conjunto de máquinas de escribir que, gracias a un sistema de motores integrados y carretes, ponen en movimiento franjas de texto que van a distintas velocidades. Teniendo esta obra en mente, te pregunto: ¿En qué punto decides que la palabra no será un mero indicativo o explicación —pensemos en el título o las fichas técnicas— sino el elemento fundamental de la obra?

Daniela: Bueno, esta es una pregunta fundamental. Básicamente, cuando estamos en la universidad, llega un momento en el que uno debe hacer una propuesta investigativa y surge la pregunta: “¿Qué me interesa?, ¿qué es lo que quiero hacer?” En mi caso, siempre tuve una fascinación por el libro, el libro como objeto. A mí me encantan los libros viejos, sus texturas, el papel, la forma. En un principio mis aproximaciones eran sobre el objeto mismo: lo cortaba, quemaba o fotografiaba. Esta era una investigación alrededor del libro y de lo que significa en nuestro contexto cultural: desde un contenedor de conocimiento, hasta causa de persecución y censura, como sucedió en las tantas dictaduras latinoamericanas. También me pregunté por los sistemas educativos ¿Por qué nos ponen a leer siempre los mismos textos, qué pasa en esa reproducción de conocimiento? El libro era el detonante, pero luego, mientras avanzaba la investigación, me di cuenta de que el problema no era el libro, la cuestión iba más allá. El libro era el objeto que yo indagaba, pero lo que me interesaba realmente eran todos los procesos de lectura. El leer era el problema en sí, por lo que empecé a interesarme por el cómo leemos y cómo me relaciono con el otro a través de la lectura.

La instalación que mencionas, Entre líneas, hizo parte de mi muestra de grado en el 2012, y siento que fue un punto de quiebre en mi obra porque allí el libro desaparece y se ve sustituido por la máquina de escribir. La máquina me permitió movilizar el texto, romper esa idea de la página estable, estática, a la que uno está acostumbrado cuando se enfrenta a la lectura, la lectura es un asunto de movilidad, de intercambio y de construcción de sentido.

Figura 2. (2012). Serna D. Entre líneas. [Instalación: objetos, motores, papel. Dimensiones variables. Textos de Jorge Luis Borges]. Medellín: Nodos y derivas. Museo Universitario Universidad de Antioquia (MUUA).

Duván: Entre líneas hizo parte de tu muestra de grado, hace casi diez años, ¿qué tal entonces si hablamos de una obra más reciente? En específico de la instalación Silencio. Para la cual tomaste fragmentos de un cuento de Clarice Lispector, autora brasileña, y los distribuiste de forma que los espectadores pudieran reorganizarlos y jugar con las palabras. Mi pregunta es la siguiente: ¿Hasta qué punto puede uno tomar la producción de otra persona e integrarla a la propia?, ¿siempre es lícito?

Daniela: El acto de apropiación es un ejercicio que siempre se ha hecho en el arte, recurrentemente, solo que se hizo más evidente con las vanguardias o con el Pop Art, por ejemplo. Yo no me apropio de una creación plástica o visual sino de una obra literaria y, básicamente, lo entiendo como la posibilidad de trabajar con este bagaje cultural que nos pertenece. Sí, dado el caso, yo suelto mi obra y alguien más se apropia de ella, ¡pues perfecto! No creo en las ideas de originalidad, ni de pureza, creo más bien en los diálogos, y me interesa preguntarme: ¿Cómo pongo esta obra en diálogo conmigo, con mi contemporaneidad y mi contexto? El texto de Clarice, ya que lo mencionas, fue publicado en 1974, si no estoy mal, ¿cómo lo leo ahora, en el 2021, frente a un montón de situaciones particulares y cómo esas palabras adquieren un nuevo significado? Mira que vuelvo a utilizar esa idea de movilidad de la que hablaba al principio, con la máquina de escribir. El mecanismo era el que me permitía el movimiento y, en este caso, con Silencio, el movimiento lo genera la misma persona, como si le dejara la responsabilidad al espectador de interactuar o no con la pieza.

 Figura 3. (2021). Serna, D. Silencio. [Instalación 720 fichas y anillos de acero. Textos de Clarice Lispector]. Bogotá: ARTBO.

Duván: Hasta ahora vislumbro un par de términos que, me parece, atraviesan tu obra: la movilidad y el diálogo. Este último me remite a otra obra tuya, llamada Correspondencia, en la que, a través de dos bocinas, un par de voces grabadas leen un grupo de citas de diferentes autores, citas que se compartieron en cierto periodo de tiempo, a manera de cartas, de correspondencia. ¿Podríamos decir entonces que hay una suerte de conversación continua a través de la historia, un diálogo entre autores o artistas en general?

Daniela: Sí, considero que estamos todo el tiempo reciclando, re-apropiando y resignificando, volviendo a darle sentido y significado a las palabras. Un monólogo no te permite llegar más allá de tus propias ideas, es el diálogo el que abre posibilidades. En el caso de la obra que tú estabas mencionando, fue un diálogo real, un trabajo que hicimos en conjunto Daniel Salamanca y yo, a partir de una exposición que curó Érika Martínez en Lokkus. Nos pusimos el reto de plantearnos cómo construiríamos una obra juntos, el resultado fue la obra que describes. Pero, a la larga, ese diálogo se da siempre, y por eso es interesante que, cuando uno crea como artista, también ponga a circular la obra ¿Cuál es la necesidad de la circulación? La circulación es la posibilidad de crear diálogos y mantenerlos constantes. Por esto la creación implica tanta investigación, porque uno tiene que estar consciente de la historia que le antecede y también del contexto en el que está inmersa la propuesta. Creo que hay que ser consciente de todo lo que se genera alrededor: uno no se está inventando nada, el punto es más bien cómo me posiciono frente a eso que está dado.

Figura 4. Salamanca, D. y Serna, D. (2017). Correspondencia. [instalación: campanas de gramófonos, audio]. Medellín: Lokkus.

Duván: Tengo una pregunta que podría pasar por trivial, pero realmente me interesa saber, ¿cuáles han sido esos autores que te han marcado, que podrías decir que te han configurado, en cierta medida, como persona y como artista?

Daniela: Hay un montón, creo que es bien difícil mencionarlos. Están estos escritores clásicos latinoamericanos, García Márquez, por ejemplo, también Julio Cortázar, me encanta Horacio Quiroga. Tienen esta especie de narrativa breve que es la que intento desarrollar en mis propuestas. Pero, si tuviera que mencionar a la escritora con la que estoy trabajando ahora, diría que es Clarice Lispector. Mi investigación en la maestría en literatura comparada fue un trabajo a partir de sus textos, lo mismo aplica para mis últimos proyectos artísticos.

Duván: Ya que tocas el tema, hiciste una maestría en literatura comparada ¿A qué se refiere ese término? ¿Cómo llega una artista plástica a la literatura comparada?

Daniela: Bueno, digamos que el comparatismo se ha entendido como una estrategia de investigación, comparar una cosa con otra, no va más allá. Pero, en distintas disciplinas, se han estructurado líneas de investigación específicas y dentro de la literatura existe la literatura comparada desde hace mucho tiempo. Existen diferentes escuelas, cada una con una perspectiva particular sobre el comparatismo, pero básicamente surgió del ejercicio de comparar la literatura de un país con otro, o una literatura antigua con una contemporánea. Más adelante se dieron cuenta de que no era una cosa simplemente de nacionalidades, sino que uno podía explorar otras maneras de comparar literatura, por ejemplo, de diferentes regiones del mismo país. O realizar comparaciones entre diferentes disciplinas, buscar las relaciones que existen entre literatura y teatro, las conexiones y diferencias entre literatura y cine, por poner ejemplos. En mi caso, la maestría se centró obviamente en esa relación entre la literatura y las artes. ¿Cómo llega una artista plástica a la literatura comparada? Leyendo los estudios y las teorías de esta materia sentí que, de cierta manera, yo hacía eso pero desde el ámbito visual. Estaba siempre haciendo cruces —que son lo que llamo diálogos— entre las artes plásticas y la literatura.

Duván: Ahora que abordamos este tema del diálogo entre diferentes artes, te comento: cierta vez leí de un crítico de arte que decía que la conjunción de diferentes disciplinas artísticas es un vicio de los eclécticos. Algo así como que el que mucho abarca poco aprieta ¿Qué le responderías?

Daniela: Pienso todo lo contrario, no es una cuestión de abarcar sino simplemente de transitar. Estamos en un punto en que tenemos diálogos transculturales, transdisciplinares, transmediales, ¿por qué habría de poner límites y fronteras cuando lo que hacemos todo el tiempo es trazar cruces entre las cosas? Me parece que el ejercicio académico debería establecer estos enlaces, y considero que esta idea del purismo es un poco extraña, ¿para qué un artista hablando de pinturas y solo de ello? Estaría inmerso en un monólogo, como te decía ahora.  Hay estudiosos que creen que la historia es progresista y a veces parece que nos hemos quedado un poco atrás… Si vas a ver los planes y los curriculums en distintas escuelas de arte, te enseñan, digamos, el arte medieval, luego el barroco, después las vanguardias. Creería que deberían haber cruces más abiertos, pensaría en una historia del arte no mediada por estas divisiones entre siglos y movimientos sino, más bien, una que se pregunte por problemas del arte, por cómo estos han sido trabajados por diferentes artistas en diferentes épocas.

Duván: Daniela, muchas gracias, es enriquecedor descubrir caminos, a veces insospechados, que unen a las diferentes artes, ciencias, a lejanas épocas y, en fin, a las personas más distintas ¡La entrevista misma es otro de esos diálogos!

Como citar:

Sánchez, D. (2021). Trazar cruces: una entrevista a Daniela Serna. Portal Error 19-13. Revista de arte contemporáneo 1(4). Disponible en: https://portalerror1913.com/2022/03/17/trazar-cruces/

Fecha de recibido: 5 de diciembre de 2021 | Fecha de publicación: 21 de marzo de 2021

Portal Error 19-13. Revista de arte contemporáneo.

ISSN: 2711-144X

GENTE DE OTRO MUNDO, LITERATURA MATACHINESCA Y CUADRILLAS DE ARMAZÓN. Una entrevista a Pedro Luis Calvo Ortiz

Por:

Manuela Henao Calvo

Estudiante de Artes Plásticas | Universidad de Caldas | manuela.11819393@ucaldas.edu.co

Figura 1. Henao, Manuela. (2009). Guardianes de la luz saludando a Pedro Luis Calvo. [Fotografía álbum familiar]. Riosucio: Cortesía del artista.

Manuela: Pedro Luis Calvo es escritor de literatura matachinesca y diseñador de disfraces, principalmente de armazón que es una modalidad de disfraz tradicional que está en proceso de desaparición. El propósito de la entrevista es conocer un poco de su vida, especialmente su participación en el carnaval de Riosucio, lo cual lo llevó a acercarse a los medios artísticos de forma empírica. Para comenzar ¿Qué es para usted el carnaval?

Pedro Luis: El Carnaval de Riosucio es la expresión de la cultura tradicional, en la cual convergen raíces diferentes: indígenas, africanas y europeas. La trietnicidad es producto de la llegada de los españoles a nuestras tierras, aquí habitaban los indígenas, y la tríada se completa cuando traen los esclavos africanos. Todo ello incidió en la forma que tiene nuestro carnaval.

Manuela: ¿Generalmente cómo interviene usted en el carnaval?

Pedro Luis: Mi intervención es como capitán de cuadrillas, cortador de letras y participo en la elaboración de disfraces. Además, soy parte de la organización directiva del carnaval. El carnaval tiene una junta principal y otros comités adjuntos que sirven para hacer más fácil el desarrollo de las actividades, por ejemplo el comité de cuadrillas del cual fui presidente durante un tiempo.

Figura 2. Henao, Manuela. (2017). Las serpientes. [Fotografía álbum familiar]. Riosucio: Cortesía del artista.

Manuela: ¿Cómo comenzó usted a participar en esta tradición?

Pedro Luis: Con una festividad que tiene más de 100 años es muy difícil hacerse a un lado, de alguna manera, todos la vivimos, sea de forma activa o pasiva. Desde pequeño asistía al carnaval, me llevaban mis padres y me parecía muy hermoso, especialmente, las cuadrillas que son la principal expresión del carnaval. Me llamaron la atención los disfraces, tan bonitos y sencillos, algunos hechos con materiales naturales propios de la región y pensé que era gente de otro mundo, en mi infancia eso me parecieron las personas disfrazadas. Me dije que algún día también podría hacer parte de esas agrupaciones. Años más tarde, se me presentó la oportunidad de estar en una cuadrilla, en ese entonces un cuadrillero de mucha experiencia estaba reuniendo gente para su grupo, con el paso del tiempo formé mi propia cuadrilla con algunos compañeros.

Las cuadrillas cantan canciones que, en sus letras, hacen referencia a distintos aspectos de la vida del pueblo, la nación o incluso lo que pasa en el mundo. A quienes escriben estas letras se les llama cortadores de letras, también quise hacer estas letras y comencé a escribirlas para mi cuadrilla. Otro aspecto en el que trabajamos, casi por casualidad, fue en la fabricación de nuestros propios disfraces, hay artesanos que se dedican solamente a hacer los disfraces, tocados y otros artículos que lleva la cuadrilla. Quisimos explorar una modalidad que estaba casi en desaparición y con los compañeros nos dedicamos a hacer cuadrillas de armazón que representan animales o aspectos de la naturaleza.

Figura 3. Anónimo. (1991). Los osos. [Fotografía álbum familiar]. Riosucio: Cortesía del artista.

Manuela: Siendo usted capitán de tantas cuadrillas, ¿recuerda en cuántas ha estado?

Pedro Luis: He intervenido en unas quince que yo recuerde y también he intervenido en cuadrillas infantiles, con los diseños de disfraces y las letras. El proceso para escribir una letra es de acuerdo a la canción y mensaje que se quiere expresar con la cuadrilla, generalmente escribo mensajes sobre el cuidado a la naturaleza. En la cuadrilla de los gnomos quise transmitir estos mensajes porque en las leyendas son seres que propugnan para el cuidado de la naturaleza. Lo que más me gusta de los procesos de las cuadrillas es proponer ideas y pensar cómo se puede desarrollar la idea de la cuadrilla y el vestuario de lo que queremos trabajar.

Figura 4. Anónimo. (2003). Los comodines. [Fotografía álbum familiar]. Riosucio: Cortesía del artista.

Manuela: ¿Qué es la literatura matachinesca y que temas abarca?

Pedro Luis: El principal aspecto que tiene nuestro carnaval es el valor que le da a la expresión hablada, las cuadrillas en nuestro carnaval transmiten mensajes de diferentes características como ecológicos, de exaltación de valores y de crítica social. Además hay otras manifestaciones y expresiones literarias como son los decretos y convites, que son reuniones que se hacen de noche con desfile y presentación en un tablado. Quienes suben al tablado se les llama decreteros, escriben cuartetas que pueden ser cortas o largas, generalmente burlescas, irónicas y de crítica social que se llaman decretos.

Figura 5. Anónimo. (1999). Los virreyes. [Fotografía álbum familiar]. Riosucio: Cortesía del artista.

Los eventos de decretos buscan animar el carnaval y que la gente vaya entrando, como quien dice, en “calor de carnaval”. En la antesala del carnaval se realiza otra presentación teatral llamada convite, esto como invitación a que la gente participe del festival, fuera de eso están otros discursos protocolarios, como la instalación de la junta directiva del carnaval, el homenaje a los matachines muertos, la imposición del cordón de carnaval que es un reconocimiento que se le hace a una persona muy representativa en el carnaval, el discurso del saludo al diablo y la contestación que él hace, el testamento que se hace al final que es leído por el diablo y uno de los matachines le contesta también. Todo esto queda en archivos o se recogen en un texto y así se constituye la literatura matachinesca que está relacionada con el carnaval y su desarrollo.

Cuadrilla “Los Magos” 1993

«Llegó a la presidencia del país un gran señor a todo quien por el votó creyó en la redención y para comenzar, su gabinete al nombrar nos puso en alerta, mal empezó la función.

Ay, ay, ay, más de uno se quejó que dolor este nos va a causar mal peor pa’ la pobre nación que a deriva marcha desde tiempo muy atrás. (…)

Fracaso tras fracaso es el diario acontecer de un país que se hunde y que se postra sin honor, solo hay incertidumbre en el futuro nacional, nadie cree en nada, es el caos gran señor.

Juventud, nadie te quiere oír, para ti no hay oportunidad, ya por dios se encuentre solución a tanto problema imposible de aguantar.

A donde irá a parar, nuestra pobre nación y quien la salvará de la cruel situación, mejor es encargar un puesto en Sibaté, ya que al manicomio iremos a parar.» (Letra: Pedro Luis Calvo)

Cuadrilla “Matachinada” 1987

«El carnaval cálido edén que nos cautiva con sublime floración, es un vivir, es un soñar que nos transporta a otros mundos de ilusión.

Es ambrosía incomparable que mitiga el duce-amargo diario destino que nos impone la injusticia la crueldad y la opresión de un triste mundo que ya no sabe dónde va.» (Letra: Pedro Luis Calvo)

Manuela: ¿Cómo diseñaban en ese entonces los disfraces si no contaban con los medios tecnológicos actuales?

Pedro Luis: Los disfraces de armazón representan generalmente figuras zoomorfas o fitomorfas y anteriormente se hacían con materiales como flor de caña brava, pajas, plumas, varillas de guadua, alambre, bejucos, papel para máscaras, barro para modelar, materiales que se consiguen muy fácil en el municipio. Hoy en día estos disfraces de armazón generalmente se valen de materiales distintos como fibras sintéticas, telas con una gran variedad de diseños y aún se usa mucho el papel maché. Anteriormente nos valíamos de engrudo, pegante que se hace a base de almidón de yuca, hoy en día hay una gran variedad de pegantes, pinturas y lacas. En lo referente a la fabricación de los disfraces, se sigue haciendo de una forma manual y artesanal.

Cuando queríamos diseñar un disfraz nos fijábamos en la forma del animal, intentábamos equiparar sus dimensiones con las de la persona que lo portaba. Recuerdo los pulpos, el disfraz tenía un espacio para poder mirar, hicimos los tentáculos y las ventosas con espuma cosida, el pulpo se forró con tela y se pintó con esmaltes. Los tentáculos eran accionados con nailon para que no se notara mucho en el público, ideamos la forma para que el movimiento fuera discreto, halábamos los hilos desde adentro y se veía muy realista.

Figura 6. Anónimo. (1983). Los pulpos. [Fotografía álbum familiar]. Riosucio: Cortesía del artista.

Sacamos varias cuadrillas basadas en pájaros como aves de rapiña, búhos, avecitas cantoras, entre otras, hacíamos primero el armazón con alambre y tela sencilla, luego lo cubríamos con plumas de gallina teñidas. Hoy en día es muy fácil porque en las avícolas sobran las plumas, en aquel entonces esto era todo un proceso porque había que conseguir las plumas, había que quitarles la grasa hirviéndolas y luego teñirlas en anilina con los colores que necesitábamos y, por último, fijar una por una, sobre el cuerpo del animal con pegante.

Figura 7. Anónimo. (1985). Los buhos. [Fotografía álbum familiar]. Riosucio: Cortesía del artista.
Figura 8. Apellido, Nombre. (año). Los buhos. [Fotografía álbum familiar]. Riosucio: Cortesía del artista.

Cuadrilla “Los Búhos” 1985

«La ciencia y el saber nos tienen por blasón.

hay búhos por doquier más falta la razón.

Nuestro mundo animal mucho más cuerdo es que esta humanidad llena de insensatez.» (Letra: Pedro Luis Calvo)

También recuerdo los dragones, una de las primeras cuadrillas que realizamos, éramos muy nuevos en el grupo, entonces, nos valimos de un artesano que tenía mucha experiencia para que modelara las cabezas de dragón, pero nunca nos explicó como los hacía, sabíamos que modelaba la parte principal en barro, los hacía muy bien hechos. Nosotros hicimos el resto de las partes del cuerpo y con unos tacos de pólvora simulábamos el fuego, colocándolo dentro de la boca del dragón, botaba fuego y humo.

Figura 9. Anónimo. (1979). Los dragones. [Fotografía álbum familiar]. Riosucio: Cortesía del artista.
Figura 10. Anónimo. (1979). Los dragones. [Fotografía álbum familiar]. Riosucio: Cortesía del artista.

Las cuadrillas cuando se acerca el carnaval, con mucha anticipación, se reúnen para exponer las ideas, se estudian previamente los temas, las opciones se estudian y debaten, para decantarlos y escoger una, nuestra última cuadrilla eran águilas basadas en dioses egipcios. Pasamos mucho tiempo ideando cómo podíamos darle la forma a las alas, hasta que nos decidimos por el foami dorado, hicimos los moldes de cada una de las alas, buscamos la forma de pegarlas y quedaron muy llamativas. Las cabezas se hicieron en icopor y luego se forraron, el cuerpo con telas doradas pero ese ya era un trabajo de modistería. Yo diría que esta fue la cuadrilla que me dio más dificultad porque no teníamos idea de cómo hacer las alas en un principio, hablamos con varios artesanos para ver si se podían imprimir de algún modo, las personas que consultamos no nos ofrecían buenas opciones y a la final ensayamos con foami lo cual nos dio un buen resultado.

Figura 11. Henao, Manuela. (2009). Guardianes de la luz. [Fotografía álbum familiar]. Riosucio: Cortesía del artista.

Manuela: Muchas gracias por compartirnos sus experiencias.

Cómo citar:

Henao, M. (2021). Gente de otro mundo, literatura matachinesca y cuadrillas de armazón. Una entrevista a Pedro Luis Calvo Ortiz. Portal Error 19-13. Revista de arte contemporáneo 1(4). Disponible en: https://portalerror1913.com/2021/07/28/gente-de-otro-mundo/

Fecha de recibido: 15 de febrero de 2021 | Fecha de publicación: 28 de julio de 2021

Portal Error 19-13. Revista de arte contemporáneo.

ISSN: 2711-144

CREATIVIDAD Y CAOS. Entrevista a Camila Ramos Rodríguez

Creativity and chaos

Por: Sofía López Duque

Estudiante de Artes Plásticas | Universidad de Caldas | sofia.11910982@ucaldas.edu.co  

Figura 1. Laura Ramos (2021). Caos reinará. [Ilustración]. Manizales: Cortesía de la artista.

Camila Ramos Rodríguez (Manizales, Colombia 1996) es una activista feminista que convirtió las artes plásticas en su lenguaje de protesta, por medio de la interconexión entre el feminismo, el dibujo y el punk, propone obras para encender el corazón en fuego de lucha y llenar la mente de preguntas sedientas de respuesta. Trabaja en colectivas de arte y feminismos como Maleza y Bandidas. La primera se dedica a convocar mujeres para conversar temas de relevancia y la segunda, se enfoca en pintar murales con mujeres transeúntes.

Sofía López: Esta entrevista se hace con el fin de conocer un poco más de cerca tu visión de ser mujer y artista, especialmente tus tránsitos por los feminismos, el punk y el dibujo. Para comenzar quisiera preguntar ¿Cómo te reconoces?

Laura: Hasta ahora me reconozco como una mujer anarcofeminista y dibujante. He llegado aquí después de divagar por diferentes espectros creativos. El dibujo es la herramienta que me permite conectar lo que pienso y lo que siento con el mundo, es una constante en mi lenguaje plástico. Desde que entré a estudiar artes comencé a conectar con el dibujo desde un aspecto muy personal, autobiográfico, me permite hablar de mi cotidianidad, de lo que me importa, mis amigas y mis espacios cercanos. Siempre he amado dibujar, es una acción diaria para mí.

La indagación en el dibujo se daba en espacios de juntanza con amigas, de allí surgían planes y acciones que, vistas desde hoy, eran feministas y no lo sabíamos. Estar juntas nos llevó a lo otro, lo otro fueron los feminismos. Lo primero que hicimos con amigas y mi hermana fue un fanzine que se llamó Maleza. Después Maleza se transformó en una colectiva de arte y feminismos con la que llegamos a dar talleres en el Centro Cultural del Banco de la República de Manizales y posteriormente en muchos espacios de la ciudad, incluso en otras ciudades de Colombia. Con todo eso me di cuenta que soy más feminista que dibujante, aunque ambas cosas van de la mano.

Sofía: ¿Qué es un fanzine?

Laura: El fanzine es una revista aficionada muy versátil. Por un lado, generalmente, es hecha con las uñas y con muy pocos recursos, incluso sin recursos, bajo la premisa de «hazlo tú misma». No podemos esperar que una editorial censure, modifique o mutile lo que queremos comunicar o que, en su defecto, saque una revista con el tema que a mí me llama la atención para buscarla y comprarla. Más bien, yo misma lo hago, indago, investigo, lo diagramo, lo imprimo, lo saco a la calle y lo difundo. Por otro lado, dada su versatilidad es común encontrarlos de todos los tipos, temas, precios, técnicas y acabados, igualmente varía la destinación del dinero que se obtiene con ellos pero principalmente están dirigidos a sostener economías independientes. Los fanzines se pueden intercambiar por más gráfica, regalar o vender para recuperar la inversión y poder sacar más números. Esto es lo que normalmente hacemos las fanzineras.

En conclusión, el fanzine es una publicación muy barata, hecha con mucho corazón, con muchas ganas de no esperar, con un deseo inmenso de compartir contenido sin pretensiones editoriales; tiene muy fácil difusión y puede esparcirse entre continentes debido a que es inherente la idea de piratea y difunde.

Figura 8. Laura Ramos (2020). Qué vivan los libros libres. [Ilustración]. Manizales: Cortesía de la artista.

Sofía: ¿Cómo definirías el punk y como entra esta escena en tu obra?

Laura: A mí me gusta el punk desde que estaba chiquita, ha sido una línea que ha direccionado mi trabajo y las búsquedas que he hecho teóricamente pero no me atrevo a definirlo o encuadrarlo en márgenes estrechas, es una forma de vivir contraculturalmente. Mi interés principal o por lo menos a lo que me estoy dedicando ahora es a hallar la relación de las mujeres en los espacios contraculturales y como lo manifiestan visualmente. Ahí entra el fanzine, pues es súper underground. En los 90’s el punk comenzó a crecer y el fanzine se convirtió en la herramienta por excelencia de difusión de los contenidos y la teorización de las personas que se enuncian desde el punk. Siento que todo tiene que ver, lo que dibujo está condicionado por la música que escucho y los espacios que frecuento. A grandes rasgos, mi dibujo está condicionado por lo que soy, pienso y siento. Aunque el punk sea un espacio hostil, yo siento que esa misma hostilidad hace que el trabajo tome cierta línea. No solo por el estilo que adquiero, si no por las cosas que me estoy preguntando y lo que estoy investigando.

Figura 9. Laura Ramos. (2021). Sin título. [Ilustración]. Manizales: Cortesía de la artista.

Sofía: ¿Al día de hoy sientes algún tipo de empoderamiento por ser mujer?

Laura: La palabra “empoderamiento” me resulta algo compleja porque es ambigua, tiene un contenido muy gris que, en este momento, no permite diferenciar lo que abarca. La palabra ha sido cooptada y utilizada por el mercado para hacernos creer que comprarle a X marca, comer en tal lugar, estar en cierto gimnasio, tener ciertos discursos, aliarse a ciertas personas etc., nos hace “más” mujeres y “más empoderadas”. Afirmación que claramente no es cierta porque cada mujer encuentra sus lugares de enunciación y no son precisamente los mismos, la fuerza y la resistencia no están en los comerciales.

Realmente, no sé si pueda decir que soy una mujer empoderada pero sí creo que he encontrado, por ahora, un gran lugar que es el dibujo para sentirme poderosa y útil en esta ardua tarea de resignificar nuestra existencia lejos del patriarcado, prejuicios, racismo, sexismo, clasismo y demás comportamientos e ideas que violentan nuestra vida y existencia en condiciones dignas y equitativas. Hay muchos frentes desde los que podemos trabajar en pro de esta tarea y crecer personalmente, autocuidarnos, amarnos sin romantizar el amor propio, reconocer nuestros errores y aciertos. El dibujo es el mío. El hecho de ser mujer y artista, además, hace que una se eche al hombro ciertas responsabilidades, que no son una carga, si no unas luchas a las que una le entrega la vida. Yo pienso que la vida no sería lo mismo si una no la pusiera en función de algo, en mi caso lo importante es el dibujo y los feminismos. Mi lucha es esa, junto a otras chicas hacer visibles nuestras preocupaciones e ideas, transformarnos y transformar nuestros espacios más cercanos.

Sofía: ¿Tienes algún modelo a seguir?

Laura: Sí, tengo muchos pero hace tiempo que destruí la idea de idolatrar grandes artistas de libros viejos cuya obra no respondía en lo más mínimo a las necesidades de mi generación y el lugar del mundo desde donde me enuncio. Claramente su trabajo enriquece lo que una es y hace pero no son mis ídolos. Mis referentes son mis amigas, mujeres reales que son conscientes, coherentes y comprometidas, mujeres con las que me siento identificada por la forma en la que piensan, sienten y perciben el mundo. Para no extenderme más, resumiré que son mis modelos en cuanto a constancia y persistencia, referencias de toda una vida en medio de la creatividad y el caos.

Figura 10. Laura Ramos. (2020). Sin título. [Ilustración]. Manizales: Cortesía de la artista.

Sofía: ¿En qué proyecto has trabajado recientemente?

Laura: «La culpa femenina» es el fanzine que coeditó el colectivo feminista Somos Hiedras (Medellín), junto a Dr Fausto (Manizales). Dr. Fausto una es una publicación hecha por Ed Muñoz y Reptil, ellos son diseñadores, fanzineros e historietistas y en esta edición, invitaron únicamente mujeres para dibujar sobre la culpa femenina. Yo dibujé esa culpa desde mi percepción, esas cargas que nos echamos encima, el peso de lo cotidiano, de lo que significa ser una mujer y estar inmersa en el enorme engranaje del trabajo asalariado pero al mismo tiempo querer corresponder al trabajo doméstico, la carga que significa escuchar a los demás y ser receptiva siempre, ser responsable por el bien de esos vínculos afectivos, todas esas cosas que generan pesadez y cansancio emocional para luego como en la sexta viñeta decir: NO, detengan todo, estoy cansada, no quiero esto, yo lo que quiero es irme lejos, para el monte, ser una anarquista primitivista, no tener que ser responsable por todas esas cosas de mierda, ADIÓS. Así mismo la idea fue invitar sólo mujeres para abordar ese tema desde distintos bandos, una juntanza que hizo visible nuestro trabajo; ahí está Nube, Kathiushka, Cindy elefante y otro montón de chicas demasiado tesas con las cuales me siento muy orgullosa de compartir páginas.

Sofía: Las mujeres han cambiado la historia a lo largo de los años desde las tinieblas, en las sombras de hombres que tomaron el crédito por sus hazañas, como magia cambiaron el mundo, reconstruyeron ciudades destruidas, innovaron el pensamiento, le dieron vida y teta a los más grandes personajes de la historia, mis bellas mujeres, son brujas poderosas. Esta hermosa entrevista me dejo claro que desde el arte tenemos una responsabilidad muy clara de luchar y que como mujeres tenemos la un camino por despejar. Que nuestras historias pueden ser escuchadas y que debemos hacer que se escuchen. Que no estamos solas, pues nos tenemos a nosotras mismas para seguir, para impulsarnos más cada día, para inspirarnos, admirarnos y dar todo lo que tenemos por cambiar la historia. Muchas gracias por el conocimiento brindado.

Como citar:
López, S. (2021). Creatividad y caos. Entrevista a Camila Ramos Rodríguez. Portal Error 19-13. Revista de arte contemporáneo. 1 (3).  Disponible en: https://portalerror1913.com/2021/06/01/creatividad-y-caos/

Fecha de recibido: 14 de Diciembre de 2020 | Fecha de publicación: 1 de Junio de 2021

Portal Error 19-13. Revista de arte contemporáneo.

ISSN: 2711-144X

EXPERIMENTACIÓN, INTUICIÓN Y PLANTAS. Entrevista a Natalia López Lombo

Experimentation, intuition and plants. Interview with Natalia López Lombo

Por: Kamila Loaiza Orozco

Estudiante de Artes Plásticas | Universidad de Caldas | kamila.11911985@ucaldas.edu.co

Lopez, L. Natalia. (2019) Collage. [Libro de artista]. Manizales

Kamila: La presente entrevista se centra en la vida y el recorrido artístico de Natalia López Lombo, hablamos de experiencias perceptivas, sensoriales, emotivas, contemplativas, entre otras. Este ejercicio surge a partir de un proceso de introspección y exploración, al encontrarme en el desarrollo inicial de contextualizar mi obra y darle un significado, empiezo a preguntarme por el cómo, por qué y para qué. Durante dicho proceso encuentro que mis principales cuestionamientos giran en torno al retrato, a lo naturalista, a lo experimental y a lo simbólico. Encuentro mucha similitud en los procesos que ha tenido Natalia como mujer artista y los que quiero emprender, me sentí identificada constantemente. Coincidimos en pensar que encontrarnos dentro del arte y sus infinitas posibilidades de representación y expresión es algo que se logra mediante un acto consciente de sensibilización, en el cual aprendemos a habitar y crear vínculos significativos con otras personas y con la naturaleza.

Kamila: Para iniciar me gustaría que te presentaras y hablaras un poco de tu trabajo: ¿Cómo te llamas? ¿De dónde vienes? ¿Cuáles son tus antecedentes?

Natalia: Me llamo Natalia López Lombo, actualmente vivo en la ciudad de Manizales y me desempeño como tallerista. Me gradué del Colegio El Inmaculado Corazón de María, en Bogotá, allí era muy importante reflexionar, cantar, compartir y asistir tanto a salidas pedagógicas como paseos. Disfrutaba esos viajes y me volví misionera por un tiempo, tuve la oportunidad de viajar a lugares lejanos de Colombia. Fue fantástico enseñar, aprender y vivir experiencias religiosas diferentes, con personas que celebran sus rituales sin necesidad de una iglesia estructurada o un cura. Me gradué con énfasis en química, mi momento favorito en las clases era cuando íbamos a los laboratorios. La química me encanta, me parece hermosa y mágica, habla de la composición de la tierra y los elementos del mundo, del cuerpo, está en todas partes. Finalmente, elegí estudiar Artes Plásticas, mis padres son artesanos y eso influenció la forma en que me relaciono con el mundo material. Hoy creo que no podría hacer otra cosa y ser completamente feliz. Estudié en la Academia de Artes ASAB, en la Universidad Distrital. Me encontré con lo que esperaba, pero amplificado, era un universo de expresiones y experiencias. Después me fui un rato a vivir a Salamina Caldas y allí estudié cocina tradicional en la Escuela Taller de Caldas. Finalmente, estudié Artes Plásticas en la Universidad de Caldas.

Kamila: ¿Cuáles fueron tus intereses cuando estabas empezando en el arte?, ¿Guardan relación con los que tienes ahora?, ¿Qué tanto han cambiado?

Natalia: Mi familia tiene un taller de metales, producen esculturas y piezas por encargo. Desde muy chiquita tengo fascinación con las materias primas, las herramientas y los elementos que me rodean. Recuerdo que mi padre me enseñó a trabajar en su taller y usar herramientas. Al igual que mi abuelo quién es un creador que -ante cualquier duda o trabajo- me aporta todo su conocimiento. Mi madre es una mujer muy sensible, me transmitió el amor por las plantas y la capacidad de apreciar los detalles de las cosas. Estos estímulos me permitieron, al inicio de la carrera, tener interés por casi todas las técnicas y el manejo de herramientas. Empecé explorando la escultura, la fotografía, la cerámica. Como te comenté, los primeros semestres de mi carrera los vi en la academia de artes ASAB en Bogotá. En ese momento experimenté el campus universitario rápido, competitivo, efervescente, lleno de contrastes, centralizado y terriblemente encantador. Para mí era muy difícil enfocarme, sentía que no estaba disfrutando realmente todo ese banquete y terminé, entre montañas, en la Universidad de Caldas en Manizales.

En el presente sigo atraída por las formas, técnicas, herramientas y métodos, pero desde otro punto de vista. Hay una relación con aquello que me llamaba al iniciar mi carrera, sin embargo, se manifiesta de otra forma. Moverme dejando atrás cosas que pensaba estáticas en mí misma, me ha dado otras formas de construir, dialogar, ver y desear. Hoy busco llevar mis procesos, exploraciones, métodos y relaciones de forma más honesta conmigo misma.

Kamila: En este momento de tu vida ¿Te consideras una artista experimental?

Natalia: Nacer en la época del arte contemporáneo me ha dado herramientas para cuestionar todo, principalmente al arte en sí mismo. Si bien son importantes los procesos técnicos y académicos, también es importante cuestionarlos, explorarlos, criticarlos y experimentar de muchas formas para encontrar tu propio criterio. Me gustaría pensarme siempre como un ser sensible y experimentar las posibilidades de lo interdisciplinar, sin miedo a la trasformación.

Kamila: ¿Qué papel juega la experimentación en tu trabajo?

Natalia: La experimentación se manifiesta gracias al diálogo con lo que me rodea, estamos en un mundo muy extraño, mágico y complejo. Los seres humanos aparentamos ser normales, pero somos criaturas de muchos mundos. Por tal razón, me gusta pensar en lo experimental como algo que puede pasar en cualquier momento y de muchas formas, está allí siempre en las proposiciones, en los juegos, en las rupturas y en las decisiones que tomamos. No solo se experimenta cuando se hace obra, la experimentación libre se logra en la reconciliación entre la expectativa y lo que se vive sin certezas.

Kamila: ¿La experimentación ayudó a identificar tus preferencias técnicas o los materiales que utilizas?

Natalia: Creo que la experimentación me llevó al error, a equivocarme, a lugares oscuros, inciertos, complejos y dar muchas vueltas. Al experimentar solo hay ideas de lo que puede resultar al final pero nada certero. Estás probando, buscando, indagando y en esa búsqueda es muy posible que te pierdas, eso es parte muy importante del camino. Te permite caminar y encontrarte, luego escoges mejor por dónde ir y por dónde no.

Kamila: Todo esto es una invitación a explorar las posibilidades infinitas que ofrece el arte. Descubrir más allá de lo que se puede conseguir en la primera vez que intentamos algo. Dadas todas esas experiencias y encuentros que has tenido durante tu proceso experimental ¿Cuáles son las temáticas principales de tu trabajo? ¿Dialogan con un contexto?

Natalia: Los temas que atraviesan mi quehacer artístico sin duda empiezan con el feminismo, siendo una mujer artista, me parece vital. También me enfoco en lo ancestral, artesanal, popular, tradicional y local porque siento una conexión sensible con estos temas. Me llama de forma enigmática, el símbolo, lo mágico, la brujería, el ocultismo, las plantas, los amuletos y los rituales que se conectan con lo procesual, empírico, relacional, erótico, camaleónico y comunitario. También me interesa la investigación, la museografía, la historia del arte, la curaduría y la educación en las artes.

Kamila: En tus obras veo presente el retrato ¿Cómo lo abarcas desde las diferentes expresiones plásticas?

Natalia: Me gusta mucho dibujar, pero el dibujo generalmente en mi trabajo nunca está solo, cuando retrato no busco que se parezca demasiado a algo, busco que me hable y me muestre cosas que están ocultas. También lo veo como una exploración profunda a mí misma. Me gusta mucho la trama, los dibujos feos, la línea peluda, las cosas extrañas, los punticos de colores y los minidibujos. El retrato es más bien un ejercicio de disfrute, una manera de comunicarme con lo interno y lo externo; aparece de muchas formas a través de la contemplación, el collage, la instalación, el paisaje sonoro, el ensamble, la pintura, etc.

Kamila: Si bien el dibujo en tu trabajo no solo parte del elemento lápiz sino de muchas otras herramientas ¿De qué manera el collage se convirtió para ti en uno de los principales medios de expresión y producción artística?

Natalia: Mi abuelo tenía un montón de calendarios viejos de obras de arte guardados y los encontré un día. Todo el tiempo estamos bombardeadas de imágenes virtuales pero cuando encuentras un papel texturizado, hojas viejas, impresiones antiguas, la imagen tiene una calidad muy alta y cuenta una historia, me gusta mucho eso, el papel, darle el valor a cada imagen. Tomé un taller de collage con Detrito que es uno de los creadores de La Sarcófaga, un laboratorio gráfico en Bogotá, desde ahí, la idea que tenía del collage se volvió mucho más grande, empecé a conocer artistas que usan el collage en videos, instalaciones y en elaboración de estructuras. Desde entonces me parece una forma muy rica de explorar la imagen, también lo utilizo en el trabajo con Maleza (Colectivo feminista) porque me permite conectar el feminismo con mis propias búsquedas.

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Lopez, L. Natalia. (2019) Collage. [Libro de artista]. Manizales

Kamila: ¿Cómo es el proceso para crear tus obras?

Natalia: Inicio generalmente sintiendo, explorando, recorriendo, caminando y transitando por algún lugar, concepto, noticia, acontecimiento, etc. Luego me gusta mucho investigar y hablar del tema. Lo converso con mi compañera, amigas y familiares, en las charlas siempre surgen muchas cosas nuevas. Me gusta obsesionarme un poco, escribo sobre el tema, pruebo muchas formas y materias primas. También pienso en el destino de mis piezas o de mi trabajo para tener presente el formato y los materiales. Y, definitivamente, luego de todo eso, soy muy intuitiva e inquieta. Cuando algo me está costando ofrendo velas a mi altar, me alejo de todo y observo a las plantas.

Kamila: ¿De qué manera la emocionalidad actúa como herramienta compositiva para tus obras?

Natalia: La emocionalidad es un detonante de mis procesos artísticos, la intuición también es parte importante y, si estoy en calma, es una gran consejera. A veces una no quiere hacer ciertas cosas y no entiende muy bien por qué, no se siente muy cómoda o contenta con ciertos resultados, procesos y búsquedas. La emocionalidad nos guía, al final se trata de escucharnos con minucia y cariño.

Kamila: Me encantaría saber acerca de los rituales que practicas ¿Cómo influyen en tu producción artística?

Natalia: Realmente mis rituales son muy intuitivos, pero he aprendido a hacerlos con algo de destreza y técnica, como una práctica muy cercana al arte. Un buen ritual puede ser reunirse con las amigas, bailar con la luna, encontrar ritmos internos, ofrendar elementos, tener muy presentes a los símbolos, no ser tan humana, pensarse siendo de muchas especies y en varios cuerpos, visitar a brujas poderosas, tener referentes energéticos, buscar lugares sagrados, descubrir paisajes nuevos, lugares especiales, casas abandonadas, estudiar el tarot.

Kamila: Me parece que toda práctica que hagamos repetitivamente y realicemos con consciencia, se convierte en un ritual, es por eso que me gustaría preguntarte ¿Cómo el arte se convierte en un ritual para ti?

Natalia: El año pasado leí Construcciones de Cuerpos, un texto de Consuelo Pabón. Allí encontré un punto de partida para hablar más concretamente de los rituales y comprenderlos como formas de descolonizar el cuerpo. Los símbolos y actos creadores tienen tanto poder y están cargados de tanta intención que simplemente permiten que pasen cosas. Creo que el ritual es una práctica existencial y para mi hacer arte es absolutamente vital. La ceremonia es un acto creativo, en nuestro presente estas ceremonias nos permiten evacuar, limpiar, refrescar, conectar y estar plenamente. Lo relaciono al instante con mi hacer, me veo haciendo arte como si estuviera en medio de una ceremonia y no quiere decir que sea una práctica elevada, puede ser un elemento también muy cotidiano, común y espontáneo.

Kamila: Considero que tu proceso ha sido profundo y consciente. Me parece que trabajas desde la paciencia, el ritmo propio y el disfrute; además tienes presente la mutación constante de lo que somos. Retomando un poco lo que mencionaste anteriormente acerca de la alquimia y las transformaciones que el mundo tiene y puede presentar, quisiera que habláramos de tu investigación de los pigmentos naturales ¿Cómo fue el camino que te llevó a interesarte por este proceso naturalista?

Natalia: Las plantas están allí desde siempre. Mis padres son tecnólogos agrícolas amantes de los hongos y de las caminatas, me transmitieron el gusto por detenerme y contemplar las plantas. También hace tres años empecé a trabajar con el Banco de la República en múltiples actividades, una de las más interesantes fue hacer un taller para el Museo Quimbaya de Armenia referido a los pigmentos naturales. Me encontré así con un tema gigante del cual casi no había información viva en la actualidad y me enamoré del código y misticismos del color en la naturaleza, los pigmentos naturales, las plantas tintóreas, recetas, objetos, paisajes e historias que giran en torno a estos elementos milenarios. Esto me llevó a pensar en mi trabajo de otra forma, centrando mi atención en la intención y en el proceso.

Kamila: Me interesa la botánica y todo lo referente. Estoy en el momento de empaparme de ese conocimiento e inquietarme al respecto. Me gustaría preguntarte ¿Cómo describes la relación que existe entre este proceso naturalista y los procesos artísticos experimentales?

Natalia: Tiene mucho que ver porque mi trabajo parte de una conversación con el paisaje directamente, los elementos con los que trabajo son muy vitales. También he pensado en el proceso que tengo con las técnicas artísticas y cómo las utilizo. Me pregunto ¿Cómo estas técnicas tienen un impacto en lo que quiero decir y lo que me rodea?, ¿son coherentes con lo que yo quiero dar a entender? Es muy diferente trabajar con una pintura sin conocer su procedencia a trabajar con pigmentos o tintas de las cuales sí conoces su procedencia y tú misma preparaste. Hacer tintas es un performance, un dibujo en el aire, una aventura; salgo a caminar y recolectar los elementos, los preparo, cocino, fermento, mezclo. Hay todo un ritual para encontrar el color indicado. Esto me ha ayudado a conversar y situarme de otra forma con los territorios y tejer relaciones más sensibles con los mismos. Por medio de rituales es como he ido construyendo ese diálogo entre la experimentación y los pigmentos salvajes.

Kamila: Para finalizar quisiera preguntarte ¿De qué manera los conocimientos ancestrales con respecto a las plantas han ayudado o influenciado tu proyecto de pigmentos naturales?

Natalia: Los conocimientos ancestrales me han influenciado mucho. Los pigmentos salvajes muestran la singularidad de un lugar, su contexto natural y enseñan la sabiduría específica de una comunidad. Hay ciertos grupos poseedores de conocimientos que conocen los depósitos de pigmentos y la producción de pigmentos. En las comunidades artesanas e indígenas, suelen ser las mujeres quienes en gran medida resguardan las recetas y formas en las que se siembran, trabajan, preparan y usan las plantas y sus colores. Los conocimientos ancestrales relacionados a los pigmentos y el color son un magnífico tesoro, patrimonio cultural de cada región. Actualmente me encuentro realizando un trabajo sobre esta temática con un enfoque feminista. La idea es elaborar un libro de artista que funcione a modo de cartilla y que permia recopilar plantas, recetas y conocimientos en torno al tema.

Cómo citar:

Loaiza, K. (2021). Experimentación, intuición y plantas. Entrevista a Natalia López Lombo. Portal Error 19-13. Revista de arte contemporáneo 1(3). Disponible en: https://portalerror1913.com/2021/04/20/experimentacion-intuicion-y-plantas/

Fecha de recibido: 13 de febrero de 2020 | Fecha de publicación: 20 de abril de 2021

Portal Error 19-13. Revista de arte contemporáneo.

ISSN: 2711-144

CUERPOS DIVERSOS. Entrevista a Paula Alejandra García

Por: Yessica Madroñero Castellanos

Estudiante de Artes Plásticas | Universidad de Caldas | yessica.11819543@ucaldas.edu.co  

Figura 1. García, Paula. (2020). Hogar. [Ilustración digital]. Manizales: Cortesía de la artista.

Yessica: ¿Qué concepto manejas en tu obra artística?

Paula: Trabajo la figura femenina, mi figura femenina. Se trata de una propuesta autobiográfica que he venido desarrollando desde el sentir y pensar el cuerpo. Me pregunto ¿Cómo me siento con mi cuerpo?¿Cómo puedo reflejarlo? Me gusta mucho trabajar con colores pastel y colores no naturales, las pieles son verdes, azules, porque me siento fuera de lo común, fuera del canon.

Yessica: Esta forma de representación de tu cuerpo ¿También es una forma de romper con los lineamientos de la academia?

Paula: Sí. Me gusta más como queda el cuerpo, me parece que tiene más expresividad que pintarlo de color piel. En cada uno de los cuadros y dibujos, gracias a los colores, las composiciones y las poses, puedo comunicar muchas cosas, como sentimientos y emociones.

Figura 2. García, Paula. (2020). De la serie Encierros. [Acrílico sobre lienzo]. Manizales: Cortesía de la artista.

Yessica: ¿Por qué decidiste hablar de tu propio cuerpo?

Paula: Cuando comencé la carrera de Artes Plásticas, estuve a la deriva, no sabía qué tema podría abordar. Al principio trabajé sobre la angustia, me preguntaba ¿Por qué me angustio y qué es lo que siento con la angustia? Con el tiempo me di cuenta que me angustio por la manera en que me siento con mi cuerpo y pensé en todos los estigmas sociales que me han implantado desde pequeña. También es mucho más fácil hablar desde las experiencias propias, porque no hay error. Solo yo sé cómo me siento y cómo expresarlo, se trata de un movimiento que va desde lo individual hacia lo colectivo, porque he visto que hay personas que se han sentido identificadas con lo que hago, con lo que dibujo y represento. Esto es muy bonito porque me doy cuenta que no estoy sola con todos esos sentimientos y esos dolores.

Yessica: ¿En algún momento sentiste que lo que estabas plasmando en tus cuadros era un mensaje para las chicas que se sienten inseguras consigo mismas?

Paula: Sí, la verdad es muy común que nosotras las mujeres nos sintamos muy inseguras por cualquier cosa. He conocido chicas súper lindas, que no tienen ni un defecto, y resulta que están acomplejadas por otras cosas. Me pregunto ¿Cómo puede? Todos tenemos cuerpos tan diversos, a su manera son perfectos, ¿no? Estamos acomplejadas por esos cánones sociales que nos imponen, nos dicen que tenemos que ser de “x” o “y” manera.

Yessica: Recuerdo que alguna vez vi tus ilustraciones en la Plataforma Feminista de Caldas ¿Cómo fue tu experiencia con ellas?

Figura 3. García, Paula. (2020). Sin título. [Ilustración]. Manizales: Plataforma Feminista de Caldas. Cortesía de la artista.

Paula: Fue una buena experiencia, fue muy chévere conocer esas amigas de lucha, me gusta conocer también tantas chicas centradas en lo que quieren: resistir a un sistema que se ha perpetuado desde hace mucho tiempo.

Yessica: ¿Te consideras una artista feminista?

Paula: Mi trabajo puede ser feminista porque habla sobre el cuerpo y la feminidad desde la visión de una mujer, pero no creo que sea exclusivamente feminista.  Entonces, mi trabajo sí puede calar en esa etiqueta, pero tengo problemas con las etiquetas, porque tal vez limitan un poco todo lo que puedo hacer, porque a veces toco temas que no tienen que ver con el feminismo, en esos casos me gusta ser más neutra.

Yessica: Tú me dices que quizá no te gusta encasillar tu obra y lo que haces en el feminismo como tal, sin embargo, ¿en tu diario vivir eres feminista?

Paula: Todavía estoy aprendiendo mucho sobre todos los temas feministas, pero sí, no soporto ningún tipo de machismo y he tratado de cambiar muchos pensamientos que nos implantan desde muy pequeñas. Hay cosas que no creía que fueran machistas y si lo eran, la verdad cambiar todo el pensamiento que nos han inculcado (prácticamente desde que nacemos) es difícil, es una construcción de todos los días.

Yessica: Las activistas feministas han estado más fuertes en los últimos años, interviniendo el espacio urbano con carteles, grafitis, serigrafías, murales y marchas. ¿Piensas que estas manifestaciones artísticas son clave para la transformación social del país?

Paula: Es un tema polémico, hablar de las marchas y no sólo de las feministas sino en cualquier marcha, pero creo que estas acciones son necesarias porque se necesita llamar la atención, no nos han puesto cuidado en tantos años y quieren que sigamos pacíficas. Hay que tumbar los viejos monumentos, la gente es súper hipócrita porque -por ejemplo- con lo que pasó en Estados Unidos, con el caso de Floyd, en las protestas quemaron establecimientos y escuché muchos colombianos apoyando, diciendo: “súper bien, así es que se hace”; pero cuando esto pasa en nuestro país, los involucrados son considerados unos vándalos, se escucha decir: “eso no se hace, esas no son las maneras”.

Figura 5. García, Paula. (2020). Aquelarre. [Ilustración digital]. Manizales: Cortesía de la artista.

Yessica: ¿Por qué en la mayoría de tus ilustraciones retratas tu cuerpo desnudo?

Paula: Creo que el ropaje distrae del mensaje que quiero expresar, antiguamente y ahora la ropa es un símbolo de estatus. El cuerpo desnudo es igualdad, todos nacemos desnudos y nos vamos a ir también desnudos. También es una forma de luchar conmigo misma, la desnudez es algo muy íntimo, se trata del proceso para aceptar mi cuerpo, expresarlo y mostrarlo así al público, un paso bastante grande para mí. Me parece súper diferente cómo nosotras representamos nuestro cuerpo a cómo los hombres generalmente representan el cuerpo femenino, idealizado y con los cánones que ellos quieren. Se trata de ser sinceras con lo que expresamos, es el cuerpo y el cuerpo tiene estos detalles, estas características que no son del canon que siempre se muestra.

Yessica: ¿Consideras que tu propuesta artística se relaciona con el activismo gordx?

Paula: Creo que mi trabajo tiene que ver con el movimiento Body positive, volver canon, volver normativos todos los tipos de cuerpo. Amarse uno mismo es lo que prima y no dejarse llevar por estereotipos. Entonces, gracias a que exploré ese mundo, fue que dije “ah pues como no me voy a querer yo también”, aunque es una lucha constante.

Figura 4. García, Paula. (2020). De la serie Encierros. [Acrílico sobre lienzo]. Manizales: Cortesía de la artista.

Yessica: ¿Sientes que por medio del arte te has liberado de esas presiones sobre tu cuerpo?

Paula: Sí, ha sido catártico, muy liberador. Con los bajones que me dan, tiendo a esconderme, pero por más que uno se esconda, se ve igual. Uno piensa que se esconde, pero no se está escondiendo, todo el mundo lo ve a uno como es. Por eso es muy liberador decirlo a los cuatro vientos: «Sí, soy gorda y me estoy aceptando como soy, porque eso no está mal». Ahora me da un poco menos de vergüenza salir a la calle, maquillarme, hacer lo que yo quiera, porque puedo hacerlo, soy un ser humano y tengo derecho de hacerlo, no tengo que esperar a ser delgada o ser un tipo específico de mujer, para poder hacer las cosas que a mí me gustan. Antes pensaba, no me voy a poder maquillar o vestir así porque estoy gorda, no me va a quedar bien, un montón de bobadas, gracias al arte he logrado aceptarme poco a poco y empezar a mostrarle al mundo que se puede, la evolución que he tenido a través de mi obra me libera bastante. Ahora me veo diferente, me miro en el espejo y no es la tortura que era antes.

Yessica: Además, creo que al pintar tu figura tantas veces, la vas interiorizando y la vas reconociendo más, hasta que llega un punto en que dices la visión que tenía hace tres años es muy diferente a la que tengo ahora y me gusta como me veo.  

Paula: Total, me dibujo de memoria, ya sé cuántos rollitos tengo, cuántas estrías. El ejercicio de dibujarme y buscarme en fotos, me enseñó a mirarme, el problema era ese, que no me miraba, me evitaba con la mirada, no quería verme al espejo, no quería ver fotos mías. Ahora de repetir tanto esa misma figura para mí ya es canon, es mi canon porque soy yo.

Yessica: ¿Cuál fue tu primer acercamiento con el bordado y cómo ha sido tu experiencia con ello?

Paula: Todo empieza con mi mamá y mi abuela, ambas son mujeres fuertes y poderosas. Mi abuela sacó adelante a sus nueve hijos con esa profesión y mi mamá lo toma como un hobby, pero hace cosas también muy hermosas y muy brutales, a las dos las admiro mucho. En el 2018, dije “también voy a bordar”, vamos a ver cómo me va.  Empecé a aprender y me gustó mucho combinarlo con lo que hago, porque permite un momento de reflexión, el bordar es tan lento, requiere de tanta paciencia que le da a uno para pensar muchas cosas, mientras que uno va insertando y sacando la aguja, tejiendo todo lo que tiene que tejer. También el tejer y el coser es muy simbólico, todos estamos entretejidos en un tejido social, eso es muy hermoso, tejemos conexiones, estamos hechos de tejidos; el cuerpo, los órganos, están hechos de tejidos.

Figura 6. García, Paula. (2020). Retazo a retazo. [Tejido]. Manizales: Cortesía de la artista.

Yessica: Me gustaría saber sobre los referentes que te inspiran, del cine, la pintura, etc.

Paula: Con el tema del cuerpo gordo, Jenny Saville es mi referente top, trabaja el gran formato y los cuerpos no estereotípicos, es muy expresiva la mancha, muy cargada, muy fuerte todo lo que hace. Con el bordado empecé con la mexicana Gimena Romero, ella lleva como diez años investigándolo todo lo que tenga que ver con las artes textiles, también es grabadora. En los primeros trabajos que empecé a hacer me inspiré en Shintaro Kago que trabaja ero guro, lo mismo que Junji Ito. De la cultura popular me gustaba mucho tomar referencias de videos musicales, dentro de estos está Billie Eilish con todo eso de las lágrimas negras y los colores vivos, pero al mismo tiempo todo tan sombrío, me gustaba mucho eso. Uno puede buscar referentes en muchas partes, además de los artistas plásticos, digamos de la música, del cine, de todo.

Yessica: Por último, cuéntame ¿Cómo han sido estos meses de cuarentena y cómo ha influenciado en tu trabajo?

Paula: Con la cuarentena empecé a pintar otra vez, hace dos años no pintaba por una mala experiencia en la universidad. Me encontré en la pintura, al estar encerrados tiene que estar uno con uno mismo, siempre estar en constante conversación, por más que uno se quiera ignorar no se puede, porque siempre va a estar uno ahí. Ahora estoy haciendo un fanzine sobre cómo es la cuarentena, el no hacer nada y el estar todo el tiempo conviviendo con uno mismo, porque digamos al salir me dispersaba y no tenía que pensar en todas esas cosas. También me parece que ya no hay miradas encima de uno, no hay comentarios horribles que a veces le dicen, hay cierta tranquilidad, me gustaría volver a salir pronto, poder irme para el río y poder respirar, pero la he manejado medianamente bien.

Cómo citar:

Madroñero, Y. (2020). Cuerpos diversos. Entrevista a Paula Alejandra García. Portal Error 19-13. Revista de arte contemporáneo 1(3). Disponible en: https://portalerror1913.com/2021/04/02/cuerpos-diversos/

Fecha de recibido: 9 de diciembre de 2020 | Fecha de publicación: 3 de abril de 2021

Portal Error 19-13. Revista de arte contemporáneo.

ISSN: 2711-144